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Moon Palace 2022
THE SUN IS THE PAST, THE EARTH IS THE PRESENT, THE MOON IS THE FUTURE.
Nikola Tesla
Inspiriert vom gleichnamigen, postmodernen Roman Moon Palace (Der Himmel über Manhattan, 1989) von Paul Auster, in der die Mondlandung 1969, der Vietnamkrieg und die Rolle des New Frontier mit der Faszination am Weltraum verwoben ist, setzt sich Nestor Kovachev in der Galerie Petra Seiser mit unserer jüngeren Vergangenheit und möglichen näheren Zukunft auseinander. Der Mond wird dabei zum Symbol für unsere Sehnsüchte, das noch Unerreichte, aber auch für die Hoffnung, die insbesondere in Momenten persönlicher sowie sozio-ökonomischer Krisen entscheidenden Antrieb gibt.
Als einziger Himmelskörper, dessen Oberfläche von der Erde aus gesehen werden kann, verkörpert der Mond Vertrautes, das auch immer nostalgisch besetzt ist, und zugleich das Fremde – eine Anti-Heimat. Auf den Spuren kosmischer Stille, Kargheit und „Leere“, erforscht Nestor Kovachev in Zeichnungen, Heliogravüren und Malereien dieses ambivalente Verhältnis. Dabei wandelt sich sein Zoom durch das künstlerische Teleskop stetig: An geologischen Abweichungen, Kratern und Charakteristika nimmt Kovachev akribisch Maß, während er eine Vielfalt objektiver Parameter mit einem strategischen Coup versieht. Geschickt macht sich der Künstler jenen Sog zu nutzen, den der Mond auf uns unbewusst ausübt. Denn nur bei näherem Herantreten verwandeln sich die auf den ersten Blick vermuteten Fotografien eines NASA Hubble Space Teleskopes in grafische Auseinandersetzungen mit kosmischen Oberflächen, wie sie etwa schon Galileo Galilei 1610 im Buch Sidereus Nuncius unternahm.
Diese „Transformation“ hin zur Zeichnung entspricht dem Dargestellten ganz im Sinne seiner sich wandelnden, zyklischen Natur, der zudem ein mystisches Element tief eingeschrieben ist. So stehen auch nicht gigantische Ausmaße im Vordergrund – Kovachev beschränkt sich in seinen Zeichnungen sowie einer Serie von Heliogravüren konsequent auf das Kleinformat – sondern die bereits erwähnte, archäische Anziehung, die er mit ebenso archäischen Materialien, nämlich Rötel und Graphit, auf Papier zu bringen versucht. In dieser Beschränkung auf minimale Ausschnitte liegt der besondere Reiz der grafischen Werkserien, eine Abkehr vom schnellen Effekt, und in der unprätentiösen Wahl der Materialien eine angemessene Ehrfurcht.
In Moon Palace arbeitet Nestor Kovachev mit Gleichnissen zwischen Natur und künstlerischem Ausdruck. Andererseits treten Dissonanzen hervor, legen sich wie ein dumpfes, kosmisches Rauschen über die Ausstellung. Denn zu den verbindenden Elementen, mit denen der Künstler den Mond auf die Erde holen möchte, gehört auch die Einsamkeit des Ortes. Zunehmende Isolation ist die Schattenseite unserer modernen Transformationsgesellschaft, in der Klagen über fehlende Bindungen und soziale Kälte allgegenwärtig sind. Aus dem ersehnten, von den 68ern erkämpften Fortschritt und damit dem Bestreben möglichst große Distanzen zwischen Menschen untereinander, als auch zwischen Mensch und Umwelt, technologisch zu überwinden, wurde jener Verlust von Nähe und Bezogenheit, den Nestor Kovachev ebenfalls zum Ausdruck bringt. In diesem Spannungsfeld siedelt der Künstler seine aktuelle Neon-Arbeit an, einen Schriftzug, der an luxuriöse Urlaubsresorts und deren Exklusivität erinnern soll – Moon Palace, eine grelle Verheißung auf außerirdische Exklusivität, zu der wohl nur einige Wenige abheben werden können, sollte es dem kürzlich gestarteten Artemis-Programm der NASA gelingen, den Himmelskörper entsprechend unserer Bedürfnisse zu erschließen.
Text: Esther Mlenek
Exhibition view Galerie Petra Seiser, Austria
The Raft of the Medusa 2020
My recent works for Drawing Now 2020 are inspired by the painting of Théodore Géricault, “The Raft of the Medusa” (1819). His magnificent painting – created exactly two hundred years ago- has the aspects to be subjectively, politically, and symbolically. For me, the idea was to transfer the painting in a drawing process. It does not only copy the original, particularly the moment of revent, and to go deeper into the details. To use a single segment and arrange then in a new composition of themes as a disaster, brutality, survive, tragedy, hope, and death.
The inspiration was the true story of the tragedy, and the implement in nowadays with all boats trying to reach Europe’s cost from Africa.
Today, it could be read as a disturbing reminder of capsized vessels that have spilled hundreds of migrants into the Mediterranean Sea and of the grim reality of the current refugee crisis at large.
For me every single segment of the painting, the bodies, the sea, the sky, the raft, and the sail, etc. are elements with huge response and intension.
The question was, how do they communicate with each other if I remove it from the position. How can I use this big intension in a small format of drawing?
I saw the painting for the first time ten years ago and for me is one of the best and impactful images of the history of art.
It deals with a case of cannibalism, which, against the background of the Enlightenment, shook French society. As a fundamental breach of civilization.
My recent works for Drawing Now 2020 are inspired by the painting of Théodore Géricault, “The Raft of the Medusa” (1819). His magnificent painting – created exactly two hundred years ago- has the aspects to be subjectively, politically, and symbolically. For me, the idea was to transfer the painting in a drawing process. It does not only copy the original, particularly the moment of revent, and to go deeper into the details. To use a single segment and arrange then in a new composition of themes as a disaster, brutality, survive, tragedy, hope, and death.
The inspiration was the true story of the tragedy, and the implement in nowadays with all boats trying to reach Europe’s cost from Africa.
Today, it could be read as a disturbing reminder of capsized vessels that have spilled hundreds of migrants into the Mediterranean Sea and of the grim reality of the current refugee crisis at large.
For me every single segment of the painting, the bodies, the sea, the sky, the raft, and the sail, etc. are elements with huge response and intension.
The question was, how do they communicate with each other if I remove it from the position. How can I use this big intension in a small format of drawing?
I saw the painting for the first time ten years ago and for me is one of the best and impactful images of the history of art.
It deals with a case of cannibalism, which, against the background of the Enlightenment, shook French society. As a fundamental breach of civilization.
Technique
Graphite and Color pencil drawings on Velin d‘Arches and Rives paper.
About the story
The painting depicts a moment of hope in the tragic saga of the Medusa, a French Royal naval ship that broke apart off the coast of West Africa in 1816 while on a mission to retake Senegal from the British after the Napoleonic Wars. After hitting a sandbar, the French captain filled the limited lifeboats with officers, politicians, and others deemed worthy of rescue and then ordered a raft to be constructed for the 147 remaining men (and one woman)—including many Algerian immigrants—from the wood scraps of the sinking vessel. Lifeboats briefly towed the raft until, in an infamous act of cowardice and cruelty, the captain cut it loose to hasten the rescue of the men on the boats. When the raft was found 13 days later, only 15 of the 147 had survived.
Facts
The Raft of the Medusa was not only one of the first paintings created without a commission but was also one of the first paintings of the Romantic Movement. The shipwreck was contemporary, and it is the first time you see a French artist being critical of the regime. If you read first the story of Medusa, you expect to see malnourished and skinny bodies fighting for life. He painted idealized, muscular bodies, which are a strong contradiction to how men truly looked. The sky and the water are also definitely Romantic as they depict drama, shadow, and light.
The radical composition and one polarizing element is one dark-skinned figure -“mules” being on atop of a Piramide. But Gericault, as the Raft depicts, did place his hopes in a man of color, a black man, a “pariah”. Given the fact that most whites in Louis XVIII’s day considered black less than human–their place.
That was very provocative and invited derision.
As one critic, Kenneth Clark states, The Raft of the Medusa “remains the chief example of Romantic pathos expressed through the nude; and that obsession with death, which drove Géricault to frequent mortuary chambers and places of public execution, gives truth to his figures of the dead and dying. Their outlines may be taken from the classics, but they have been seen again with a craving for violent experience.
Exhibition view Gallery Heike Curtze, 2020, Vienna, Austria
Nothing Will Already Be The Same
Man erkennt auf Grund sinnlicher Gewissheit, dass der Mond keineswegs eine sanfte und glatte, sondern eine rauhe und unebene Oberfläche besitzt und dass er ebenso wie das Antlitz der Erde selbst mit ungeheuren Schwellungen und tiefe Mulden und Krümmungen überall dicht bedeckt ist.
Galileo Galilei
In der Ausstellung Nothing Will Already Be The Same* werden Nestor Kovachev‘s neuesten Werke auf Papier, eine raumfüllende Wandmalerei und die erste offizielle Audio Aufnahme vom Mars als Gesamtinstallation präsentiert.
Das Konzept hinter der Installation basiert auf der Gegenüberstellung neuester, technologischer Errungenschaften der Menschheitsgeschichte und der mystischen Überlieferungen einer unbekannten Welt. Die Stille, Kargheit und Leere, der mit neuesten Technologien untersuchten weiten Marslandschaft, wie auch die andauernde, jahrhundertelange Faszination entfernter Planeten und Gesteinsformationen treffen in der Ausstellung aufeinander. Für diese Zeichnungen verwendete der Künstler Fragmente von Mond- und Marslandschaften, die vom Hubble-Weltraumteleskop und dem Perseverance Rover erstellt wurden.
Als einziger Himmelskörper, dessen Oberfläche von der Erde aus gesehen werden kann, ist der Mond schnell zu einem Symbol für Nähe und Distanz geworden – zu nah, um einfach ignoriert zu werden, aber zu weit entfernt, um vollständig erfasst oder gar verstanden zu werden. Von den frühesten Zivilisationen an haben Menschen auf der Erde gestanden und den Nachthimmel beobachtet, um den von der Sonne beleuchteten Mond und andere Phänomene zu sehen. Wir haben den Mond und die Planeten in unsere Mythologien und Gleichnisse eingewebt, ihnen Symbolik anvertraut und darin nach einem Sinn gesucht. Diese Legenden wurden in der Kindheit oft in Geschichten und Märchen erzählt und auf diese Weise wurzeln sie in unserer Vorstellungskraft und folgen uns durch das Leben. Es gibt einen Ort und ein Symbol für unsere Träume und Sehnsüchte, einen Ort für neues Leben und wissenschaftliche Entdeckungen.
Ein weiterer Ansatz für dieses Werk waren die ersten fünf Radierungen von Galileo Galilei. In seinem Buch Sidereus Nuncius von 1610 macht er Zeichnungen vom Mond und seinen Kratern. Seine beste Erfindung war ein Teleskop mit dem er die Himmelkörper betrachten konnte.
Der Titel der Ausstellung Nothing Will Already Be The Same stammt von einer Collage aus der Serie Stoned Moon Drawing (1969) von Rober Rauschenberg.
*Im Juli 1969 wurde Robert Rauschenberg von der National Aeronautics and Space Administration (NASA) nach Cape Canaveral, Florida (damals bekannt als Cape Kennedy) eingeladen, um Zeuge des Starts der historischen Apollo 11-Mission zu werden. Rauschenberg wurde vom NASA Art Program gebeten, an den ersten bemannten Raumflug zum Mond zu erinnern, und hatte uneingeschränkten Zugang zu den Einrichtungen der NASA in Florida. Er durchstreifte die Gebäude und die angrenzende Landschaft, traf sich mit Astronauten und anderem Personal und erhielt Zugang zu offiziellen NASA-Fotos und technischen Dokumenten. Diese Reise hatte tiefgreifende Auswirkungen auf den Künstler, der sich von der Erfahrung mit Energie und erneutem Optimismus verabschiedete, nachdem er durch den Verlauf des Vietnamkrieges und die wachsenden sozialen Unruhen in den Vereinigten Staaten mehrere Jahre lang zutiefst desillusioniert war.
Nach dem Start begann Rauschenberg mit der Arbeit an Stoned Moon (1969–70), einer Serie von 34 Lithografien, die handgezeichnete Passagen mit Bildern in Einklang bringen, die die üppige Landschaft Floridas mit der klaren industriellen Ästhetik des Weltraumrennens verbinden.
Exhibition view, LLLLLL, Vienna, Austria
